Gilberto Almeida Egas (San Antonio de Ibarra, provincia de Imbabura, 30 de mayo de 1928- Ibídem, 20 de abril de 2015) fue un pintor ecuatoriano.
Hijo de don José Peregrino Almeida López y doña Carmen Amelia Egas Tobar, realizó sus estudios en la escuela primaria “Juan Montalvo” de San Antonio de Ibarra, posteriormente mediante un concurso obtuvo una beca para estudiar en la ciudad de Quito, en el colegio “Santa Teresita”, siendo sus profesores oriundos de Francia.
En 1944, al fundarse el Liceo Artístico “Daniel Reyes” en su pueblo natal y debido a sus actitudes artísticas, ingresó en él, cumpliendo con los seis años de estudio. Posteriormente viajó a las ciudades de Quito y Guayaquil para participar como oyente en las escuelas de “Bellas Artes” de dichas ciudades.
Fue miembro del Grupo de Vanguardia denominado como Grupo “VAN”, asiduo lector y amante de todo libro de arte, por tal motivo está informado de todo lo que acontece en el mundo en lo que a arte se refiere.
Sus obras se pueden encontrar en el Museo de la Organización de los Estados Americanos, en Washington; en el Museo de Arte Moderno de Santiago de Chile; en el Museo de Arte Moderno de Córdova, en Argentina; en el Museo de Arte de la Fuerza aérea Venezolana; en el Museo de Jerusalén, en Israel; en el Museo de la Organización de Países Exportadores de Petróleo, en Europa. En el Ecuador: en los museos de la Casa de la Cultura del Carchi, de Imbabura, de Azuay y del Guayas; en el Museo de Arte Moderno de Cuenca; en el Museo Municipal de Guayaquil; en el Museo “Luís A. Martínez”, de Ambato; en el Museo “Mariano Aguilera”, en Quito; en el Museo del Banco Central, de Quito.
Donó algunas de sus obras a las Embajadas de Ecuador en Europa. En San Antonio de Ibarra en el barrio “La Cruz” poseía una Galería de Arte, en el mismo lugar en donde residía.
Falleció en su natal San Antonio de Ibarra, el 20 de abril de 2015
Exposiciones
En 1963 es invitado a Chile, presentando sus obras en el Palacio La Alhambra. Posteriormente presenta en Buenos Aires en la Galería de la Asociación de Artistas Plásticos.
En 1965 expuso en el Museo de la Unión Panamericana en Washington D. C., EE. UU.
Otras muestras individuales en Ecuador lo proyectan para exponer en la Maxwell Galeries Ltd. En San Francisco, así como en centros de arte europeos.
Muchas son las presentaciones de sus obras en exposiciones colectivas en Ecuador, entre ellos se destaca las de Salón de Julio de Guayaquil, salón Mariano Aguilera, Salón Internacional de la Independencia de Quito, Bienal de Cuenca, Salón Nacional de Artes Plásticas del Banco Central del Ecuador, Salón Luis A Martínez, en Ambato.
Sus obras se encuentran en diversos museos del Ecuador, España, Suecia, Argentina, Chile, México, Venezuela, Israel, Australia, EE. UU., Canadá. Así como en importantes colecciones privadas del mundo.
Museo de arte moderno
Lleva su nombre el museo de arte moderno de Ibarra, lugar en el cual se exhiben obras suyas.
Premios
- Primer premio V Juegos Deportivos Bolivarianos.
- Primer premio Casa de la Cultura Núcleo Azuay.
- Primer premio Fiesta de la fruta y de las flores, Ambato.
- Tercer premio Mariano Aguilera, Quito.
- Segundo premio Salón de Julio, Guayaquil.
- Primer premio Salón de Octubre, Guayaquil.
- Segundo premio Salón Bolivariano, Guayaquil.
- Primer premio Proyecto de murales.
- Primer premio de Escultura del Ministerio de Obras Públicas del Ecuador.
- Primer premio Mariano Aguilera, Quito.
- Primer premio Salón de Julio, Guayaquil.
- Segundo premio Internacional Salón de la independencia, Quito.
- Primer premio salón Nacional de Artes Pláticas, Quito.
- Segundo Premio Nacional de Artes Banco Central del Ecuador, Quito.
- Primer premio Bienal Internacional de Cuenca con el voto de los Críticos Periodistas y Curadores.
Distinciones
- 1962. Invitado a la tercera bienal de Sao Paulo, Brasil.
- 1963. Invitado de honor del salón Primavera de Mendoza, Argentina.
- 1965. Invitado de honor del Salón Primavera de Viña del Mar, Chile.
- 1967. Invitado a la Bienal de Cali, Colombia.
- 1969. Invitado a la Bienal de Coltejer de Medellín, Colombia.
- 1985. Nominación como el Artista del Año por la Asociación de Periodistas.
- 1993. Nominado al Premio Eugenio Espejo, máximo galardón que el Ecuador concede a los valores más destacados del país.
- 1996. Invitado a Israel a rendir homenaje a Jerusalén en sus Tres Mil Años de la Ciudad Santa.
- 1998. Homenaje a los Artistas “De Vanguardia” Casa de la Cultura Ecuatoriana, Quito.
- 2000. Invitado por la Embajada del Ecuador a exponer en Lima, Perú.
- 2001. Invitado a Australia a exponer su obra.
Condecoraciones
- Gustavo Noboa Bejarano, Presidente Constitucional de la República del Ecuador, le confirió la condecoración de la “La Orden al Mérito en el Grado de Oficial al Maestro Gilberto Almeida E. En la Ciudad de Quito, el 21 de febrero del 2002.
- El Honorable Congreso Nacional del Ecuador, a través de su Presidente, Guillermo Landázuri, le confirió el Reconocimiento “Doctor Vicente Rocafuerte” al mérito artístico y cultural, el 4 de junio de 2003.
- Condecoración al Mérito Artístico por el pueblo de San Antonio de Ibarra (junio del 2003).
- Condecoración a la labor plástica del Consejo Provincial de Imbabura (junio del 2003).
- Condecoración al mérito artístico parte de la Casa de la Cultura Núcleo del Carchi (junio del 2003).
- Homenaje y reconocimiento a la trayectoria artística con motivo de los 400 años de Fundación Española de la ciudad de Ibarra (septiembre del 2006).
- Homenaje y reconocimiento a la trayectoria artística por parte del Instituto Superior Tecnológico de Artes Plásticas “Daniel Reyes” (septiembre del 2006).
SUS MEJORES OBRAS
Tenemos las pinturas (De arriba hacia abajo) LA VIEJA, DESCENDIMIENTO, REPOSO DEL MÚSICO, LA NOVIA y QUITO IN BLUE,
NACIÓ
Bucay 17 de mayo de 1936 - Quito, 14 de abril de 1996)
NACIONALIDAD
Ecuatoriana
OCUPACIÓN
Escultor y Pintor
BIOGRAFÍA
Desde una temprana edad se mostró muy interesado en el arte, de joven estudió pintura en la Universidad Central en Quito. Adoptó un estilo diferente al principio de su carrera que le acompañó durante toda su vida. La geografía ecuatoriana y los brillantes colores utilizados por los artesanos andinos en su labor fueron sus dos influencias principales que penetraron en su trabajo durante toda su carrera. Endara Crow es considerado uno de los pintores latinoamericanos más importantes de la segunda mitad del siglo 20. Su obra es universal, y ofrece una perspectiva estética de la cultura andina y su gente.
Su obra más reconocida es "El Tren Volador”. De niño, Endara Crow quedó asombrado por los trenes desde que su padre trabajó en el ferrocarril, esto se convirtió en una inspiración para su obra maestra, en la que muestra a un tren en vuelo, de ahí el título, que combina con un paisaje montañoso de colores. Otro motivo surrealista común en sus pinturas lluvia, campanas o esferas como en su obra Sin título de fecha 29 de julio en 1988.
Endara fue también escultor, con dos monumentos importantes esculpidos en Sangolqui. Estos dos monumentos son "El Choclo" y "El Colibrí", ambos representan la belleza natural, así como la importancia de la agricultura de la Sierra ecuatoriana.
ESTILO
Varios historiadores del arte y los críticos se han referido a su trabajo como realismo magico, un término que se utiliza a menudo cuando se habla de la literatura del siglo XX de America Latina. Al igual que en los textos del realismo mágico, los cuadros de Endara Crow tratan de ampliar las categorías de lo real a fin de abarcar el mito. La magia y otros fenómenos de carácter extraordinario - todos los que están excluidos por la cultura europea-encuentran su lugar en la pintura de Endara Crow. El realismo mágico en la pintura se puede distinguir por la forma en que se mezclan la realidad y fantasía. Cualquier distinción entre los dos se borra a través de la combinación de elementos de fantasía y mitología con la ficción de una manera poco realista. Como en los textos del realismo mágico de Gabriel Garsia Marques , las pinturas de Gonzalo Endara Crow tejen los elementos fantásticos con presentación inexpresiva.
FALLECIÓ
1996
OBRAS
El Tren Volador era su obra más famosa que dipicta un tren mezclado con unas montañas. Un tema prominente en sus obras estaba lloviendo campanas y esferas.
Oswaldo Guayasamín
| Oswaldo Guayasamín | ||
|---|---|---|
| Información personal | ||
| Nombre de nacimiento | Oswaldo Aparicio Guayasamín Calero | |
| Nacimiento | 6 de julio de 1919 Quito  Ecuador | |
| Fallecimiento | 10 de marzo de 1999 (79 años) Baltimore  Estados Unidos | |
| Nacionalidad | Ecuatoriano | |
| Educación | ||
| Educación | Escuela de Bellas Artes de Quito | |
| Alumno de | ||
| Información profesional | ||
| Área | Pintura Dibujo Escultura Grabado Mural | |
| Movimientos | Indigenista Expresionista | |
| Distinciones | Prpepepepo Espejo | |
| Web | ||
| Sitio web | ||
| [editar datos en Wikidata] | ||
El padre de Oswaldo Guayasamín era un indígena y su madre Dolores Calero era mestiza. Su padre (José Miguel Guayasamín) trabajaba como carpintero y, más tarde, como taxista y camionero. Oswaldo fue el primero de diez hijos.
Su actitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años, hace caricaturas de los maestros y compañeros de la escuela. Todas las semanas renueva los anuncios de la tienda abierta por su madre. También vende algunos cuadros hechos sobre trozos de lienzo y cartón, con paisajes y retratos de estrellas de cine, en la Plaza de la Independencia.
A pesar de la oposición de su padre, ingresa a la Escuela de Bellas Artes de Quito. Es la época de la "guerra de los cuatro días", un levantamiento cívico militar contra Neptalí Bonifaz. Durante una manifestación, muere su gran amigo Manjarrés. Este acontecimiento, que más tarde inspirará su obra "Los niños muertos", marca su visión de la gente y de la sociedad. Continúa sus estudios en la Escuela y en 1941 obtiene el diploma de pintor y escultor, tras haber seguido también estudios de arquitectura.
En 1942 expone por primera vez a la edad de 21 años en una sala particular de Quito y provoca un escándalo. La crítica considera esta muestra como un enfrentamiento con la exposición oficial de la Escuela de Bellas Artes. Nelson Rockefeller, impresionado por la obra, compra varios cuadros y ayuda a Guayasamín en el futuro.
Entre 1942 y 1943 permanece seis meses en Estados Unidos. Con el dinero ganado, viaja a México, en donde conoce al maestro Orozco, quien acepta a Guayasamín como asistente.
También entabla amistad con Pablo Neruda y un año después viaja por diversos países de América Latina, entre ellos Perú, Brasil, Chile, Argentina y Uruguay, encontrando en todos ellos una sociedad indígena oprimida, temática que, desde entonces, aparece siempre en sus obras.
En sus pinturas posteriores figurativas trata temas sociales, actuó simplificando las formas. Obtuvo en su juventud todos los Premios Nacionales y fue acreedor, a los 36 años, del Gran Premio en la III Bienal Hispanoamericana de Arte, que se llevó a cabo en 1955 en Barcelona1 y más tarde del Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo.
Es elegido presidente de la Casa de la Cultura Ecuatoriana en 1971. Sus obras han sido expuestas en las mejores galerías del mundo: Venezuela, Francia, México, Cuba, Italia, España, Estados Unidos, Brasil, Colombia, Unión Soviética, China, entre otros.
En 1976 crea la Fundación Guayasamín, en Quito, a la que dona su obra y sus colecciones de arte, ya que concibe el arte como un patrimonio de los pueblos.
En 1978 es nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de España, y un año después, miembro de honor de la Academia de Artes de Italia.
En 1982 se inaugura en el Aeropuerto de Barajas un mural de 120 metros pintado por Guayasamín. Ese gran mural, elaborado con acrílicos y polvo de mármol, está dividido en dos partes: una de ellas dedicada a España y la otra a Hispanoamérica.
El 28 de octubre de 1992 recibe el título de Doctor Honoris Causa por parte de la Facultad de Arquitectura y Artes de la Universidad Nacional Pedro Henríquez Ureña (UNPHU).
Sus últimas exposiciones las inauguró personalmente en el Museo del Palacio de Luxemburgo, París y en el Museo Palais de Glace en Buenos Aires, en 1995. Logró exponer en museos de la totalidad de las capitales de América, y muchos países de Europa, como en San Petersburgo (Hermitage), Moscú, Praga, Roma, Madrid, Barcelona y Varsovia.
Realizó unas 48 exposiciones individuales y su producción fue muy fructífera en pinturas de caballete, murales, esculturas y monumentos. Tiene murales en Quito (Palacios de Gobierno y Legislativo, Universidad Central, Consejo Provincial); Madrid (Aeropuerto de Barajas); París (Sede de UNESCO); São Paulo (Parlamento Latinoamericano en el Memorial de América Latina); Caracas (Centro Simón Bolívar). Entre sus monumentos se destacan "A la Patria Joven" (Guayaquil, Ecuador); "A La Resistencia" (Rumiñahui) en Quito.
Su obra humanista, señalada como expresionista, refleja el dolor y la miseria que soporta la mayor parte de la humanidad y denuncia la violencia que le ha tocado vivir al ser humano en este monstruoso Siglo XX marcado por las guerras mundiales, las guerras civiles, los genocidios, los campos de concentración, las dictaduras, las torturas.
Guayasamín fue amigo personal de importantes personajes del mundo, y ha retratado a algunos de ellos, como Fidel Castro y Raúl Castro, Paco de Lucía, François y Danielle Mitterrand, Pablo Neruda, Gabriel García Márquez, Rigoberta Menchú, Mercedes Sosa, el rey Juan Carlos de España y la princesa Carolina de Mónaco, entre otros.
Recibió varias condecoraciones oficiales y doctorados Honoris Causa de universidades de América y Europa. En 1992 recibe el premio Eugenio Espejo, máximo galardón cultural que otorga el gobierno de Ecuador.
A partir de 1995 inició en Quito su obra más importante, el espacio arquitectónico denominado "La Capilla del Hombre", a la cual le dedica todo su esfuerzo. Falleció el 10 de marzo de 1999, causa de un infarto agudo de miocardio, en Baltimore (Estados Unidos), aún sin ver finalizado este proyecto.
Ese mismo año se reconoció su labor, de forma póstuma, con: el reconocimiento como "Pintor de Iberoamérica", el Premio Internacional José Martí.
Humberto Moré
Pintor, escultor y muralista esmeraldeño nacido en 1929, y cuyo nombre de pila fue Lalot Rivadeneira Plata.
Su vocación artística se empezó a manifestar desde su más temprana edad cuando descubrió que los colores de los juguetes le producían satisfacción y emoción; luego fueron el teatro y el cine las expresiones que lo envolvieron, y, finalmente, se acercó al dibujo copiando figuras y fotografías de revistas, las tiras cómicas de los periódicos y los anuncios del cine.
A los veinticinco años de edad, convertido en un artista autodidacto, presentó su primera exposición en Milagro y la segunda en Guayaquil, en la joyería “Esmeraldas”.
Fue contemporáneo de Enrique Tábara, Luis Molinari y Estuardo Maldonado, es decir, de esa selección de artistas jóvenes que iniciaron la renovación de la plástica guayaquileña entre las décadas del 50 y del 60.
Original en todos sus conceptos, definió sus inicios como “expresionismo diferente”, al que siguió luego una tendencia a la geometrización apoyada en círculos y valorada en colores luminosos; de allí pasó a una estilización post-cubista, basada en un criterio que lo llevaría a obtener el Primer Premio en el Salón de julio, de Guayaquil, en 1962.
Estudioso del arte contemporáneo ecuatoriano, a mediados de la década del 60 se involucró en lo que él llamó “Signología Funcional”, y diez años más tarde, en Quito
La mayor parte, por no decir casi toda su vida, la vivió en Guayaquil, donde desarrolló y “dio rienda suelta” a toda la fuerza expresiva de su arte inigualable. Su obra presenta una expresión innovadora apoyada en el dibujo de trazo grueso, iluminado con colores casi primarios en los que predominan el azul y el rojo. También pintó paisajes y retratos con particularísimo y personal estilo, e hizo esculturas modulares, de hierro y hormigón, que sirvieron para adornar y dar perspectiva artística a varios parques de Guayaquil, que –lamentablemente- hoy han desaparecido.
Fue un personaje polifacético –de rara valía- en quien se conjugaron todas las manifestaciones del arte. Fue pintor, escultor, teórico, crítico, editor y un destacado y conspicuo miembro de la Casa de la Cultura.
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Eduardo Kingman Riofrío
(Loja, 1913 - Quito, 1998) fue un pintor ecuatoriano.Hijo segundo del Dr. Edward Kingman y de doña Rosa Riofrío, fue matriculado en la escuela anexa al normal Juan Montalvo donde realizó la primaria, pero como dibujaba desde niño, al terminar el primer curso de secundaria en el Mejía decidió cambiarse a la Escuela de Bellas Artes.
En 1933 expuso con Antonio Bellolio en la última muestra de Allere Flamma, al año siguiente hizo varios cuadros que vendió en el salón municipal “Mariano Aguilera” de Quito.
En junio del 46 expuso en el Museo de San Francisco. La revista Time, le coloca entre los grandes pintores de Hispanoamérica, luego fue a Nueva York y expuso en la Unión Panamericana de Washington. En el l 49 expuso en el Museo de Arte Colonial, veintiséis oleos con motivos populares y colores frescos, briosos, alegres. En el 55 expuso en Guayaquil. El 56 en Bogotá y en Caracas. Para el 74 había expuesto en la Maxwell Galleries de San Francisco.
Reconocimientos
En 1953 obtuvo el I premio del quinto salón de Artes Plásticas. El 59 ganó el Primer premio en el “Mariano Aguilera” con “Yo el prójimo”, visión aterradora de un mundo en crisis. El 73 le fue concedida la medalla al mérito Artístico de la Municipalidad de Guayaquil y el 75 la condecoración Nacional al Mérito con el grado de Comendador.
Tendencia artística
Su carrera comenzó como pintor expresionista por sus ideas político-sociales. El tema del dolor y maltrato indígena, ocupará en gran parte la tendencia de este artista. Se hizo célebre por las grandes y poderosas manos de sus personajes, símbolo desasosegado de fuerza. El tema de las manos, se repite en casi todos sus cuadros, esto le ha ganado la reputación de ser “el pintor de las manos”.
